Допустим, у вас есть идея создать мультфильм. Вы вынашиваете режиссерский замысел. Что делать дальше?
Саша Рубан, режиссер мультфильма MAVKA, над которым работает студия Animagrad, рассказала о процессе создания анимационных фильмов. Telegraf.Design побывал на конференции Mooove! и законспектировал услышанное. Видеозапись смотрите тут.
Режиссерский замысел – это воображение будущего произведения, его концепция, набросок, эскиз.
Из чего состоит режиссерский замысел:
- Первый импульс (поиск фабулы, чтобы раскрыть тему)
- Сбор информации (информация про персонаж и мир героев)
- Оживление (поиск стиля и приёмы)
- Решить, что показывать, а что нет (избирательность повествования)
Режиссерский замысел включает в себя также проработку:
- сверхзадач героев
- драматических конфликтов
- событийного ряда
- мизансценирования
Для того, чтобы превратить режиссерский замысел в режиссерское решение/видение, мы должны дать ответы на вопросы:
Что я делаю? Вид экранного произведения.
О чем? Тема произведения. Понятие «тема» происходит от греческого слова, буквально означающего «то, что положено в основу».
Какими способами? Жанр произведения и стиль.
Для кого я делаю продукт? Часто встречаемый общий ответ – для всех, для зрителей. Если копнуть глубже, то стоит разобраться, для зрителей какого возраста, то есть определить вашу целевую аудиторию.
Но и это еще не всё. Следует копнуть еще глубже и понять ядро этой аудитории. Точно увидеть, кто будет сидеть в зале и какие потребности у вашего зрителя, чтобы после просмотра экранной работы поход в кино стал событием. Другими словами стоит знать, ЧЕГО хочет аудитория, ЧТО она ЛЮБИТ и ЧТО её ВОЛНУЕТ. Зная это, вы сможете добиться большего результата и улучшить качество своей работы.
«Мне очень трудно, почти невозможно делать мультфильм, не представляя себе заранее лиц зрителей, для которых я его рисую. Обычно мне помогает детский сад студии «Гибли», который находится рядом с моей рабочей студией: выйду на улицу, посмотрю на детей — и сразу понимаю, что нужно делать», — Хаяо Миядзаки
После того, как мы со всем определились, начинаем писать сценарий, собираем информацию, вырисовываются герои, конфликты, цели, желания, препятствия, мечты.
Что лежит в основе?
В любом жанре мы всегда работаем с «человеческими» историями. И хотя анимация давно и успешно использует аналогии и аллегории, это всегда «человеческие» истории.
«Тот же Винни-Пух, в отличие от диснеевского, у меня голый. Надеть что-то на лису, зайца — значит придать им статус человеческого персонажа. А для нас они и так были людьми, и мир их был миром человеческим», — Федор Хитрук
Мультипликация говорит на универсальном языке характеров, образов, поведения и типажей. У героев есть прообраз, архетип. Это справедливо и для кино, и для литературы, и для театра. Набор архетипических персонажей и сюжетов, по сути, один и тот же.
Но только в анимации использование архетипов приобретает утрированно-нарочитое исполнение.
Подробнее об архетипах:
Карл Густав Юнг в ХХ веке открывает феномен архетипов и коллективного бессознательного. Мифы народов мира вовсе не рассказывают просто занимательные сказки, они, в первую очередь, описывают ситуации архетипические, т.е. универсальные, вечно волнующие человека. Все они содержатся в коллективном бессознательном нашей психики, так что любой автор, иногда даже не подозревая об этом, вводит архетипы в свое творчество.
Источник изобржения: www.billboard.com
То есть, мы говорим на одном понятном языке во всем мире. Через образы, характеры, ситуации, которые нам знакомы. И именно такая форма, как анимация, очень понятна ребенку. К тому же, анимация задействует не только зрительные, но и слуховые рецепторы.
Множество мультфильмов – мюзиклы. Дети очень любят песни, быстро заражаются темпом, ритмом и атмосферой музыкального сопровождения. Вспомните «Том и Джерри» и выключите музыку. Эффект насыщенности восприятия значительно снижается. Анимация очень многогранный жанр и использует все виды искусств себе в помощь: это и музыка, и танец, и изобразительное искусство. И даже наука.
Многие известные авторские сказки создавались для конкретных детей. Астрид Линдгрен сочиняла для своей маленькой дочери и рассказывала их ей на ночь. Писательница придумывала на ходу образы героев и их приключения. А дочка ей помогала в этом. Например, именно она дала рыжеволосой девчонке имя Пеппи Длинныйчулок.
«Малыш и Карлсон» — советский рисованный мультипликационный фильм, экранизация по мотивам первой части одноимённой трилогии Астрид Линдгрен и один из наиболее популярных мультфильмов режиссёра Бориса Степанцева. Первое применение электрографии в советской мультипликации.
Источник изображения: vnews.agency
«Логика может привести вас от пункта А к пункту Б, а воображение — куда угодно…», — Альберт Эйнштейн
Поскольку истории все так или иначе архетипичны, то творческая команда, читая сценарий, должна прочитать ответы на те самые вопросы, которыми вы задавались раньше в режиссерском замысле: Что мы делаем? Для кого? Каким способом? Кто наши герои и чего они хотят?
Творческая синергия
Если вы понимаете персонажа, его действия, мотивы, желания, страхи, то направление, в котором стоит искать образ, быстро отыщется. Беда возникает тогда, когда вы читаете-читаете, а герой для вас пустышка. Нужно уметь быть психологом и разбирать персонажа глубже, чем простой зритель.
Возвращаясь к архетипичным сюжетам и героям, мы можем себе представить типажи персонажей. Злая мачеха, Добрая фея, Гном Ворчун, Наивный простофиля, Зазнайка и Глупая Красавица – часто эти архетипы кажутся одинаковыми. Разница в деталях, которые следует обсуждать на читках сценария с творческой группой. Главное правило Голливуда: «Дай мне то же, только другое».
«Анимация — это не когда ты берешь карандаш и рисуешь ровную, правильную линию. Анимация — когда ты пытаешься отыскать ту линию, которая скрыта внутри тебя самого», — Хаяо Миядзаки
Давать задачу творческой группе сложно. Трудность в том, что вы уже увидели «своё кино», где все логично, стройно и красиво. А ваши коллеги видят по-другому. Это нормально, так и должно быть. То, насколько хорошо вы умеете объяснять и заряжать свою команду вашим видением, скажется на результате работы. Вы как режиссер должны знать, чего вы хотите.
В случае с продюсерскими проектами дело обстоит немного сложнее. Режиссерское видение идёт в придачу с пакетом видения продюсеров. Здесь нужно все обсудить, разобрать, понять, принять, почувствовать и утвердить направление. Если согласия и общего представления нет – будет путаница и потеря времени. По причине несогласованности вы будете утомлять команду взаимоисключающими комментариями и видением. Это скажется негативно на всем процессе.
В целом каждый раз на проекте вы выстраиваете разные способы общения с командой и разные правила игры, чтобы отыскать ту самую «линию» внутри каждого члена команды.
Два типа режиссуры:
- режиссура результата (вся команда – исполнители)
- режиссура процесса (вся команда – со-творцы)
Правильного или неправильного выбора нет. Лучше использовать два способа работы попеременно. Часть вы четко контролируете, а часть делегируете команде.
В обязанности режиссера входит: работа со сценаристами, руководство артистами отделов, супервайзерами, менеджерами, начальниками производства, монтажерами, художником-постановщиком, композитором, актерами, режиссером и актерами озвучивания, продюсерами. Команда помогает вам раскрыть творческий замысел. Работать единолично невозможно.
Большая разница между коммерческой и авторской анимацией.
Коммерческая анимация подразумевает выверенную формулу успеха, а авторская всегда о том, как именно вы хотите донести свою идею. Но это не значит, что коммерческая анимация несерьезна или плохо прорабатываемая. Правила бизнеса никто не отменял.
«До самого красивого никогда не дотянешься», — «Алиса в Стране Чудес» Л.Кэрролл
В этой цитате есть очень ценное послание. «Самое красивое», то есть идеальное, – трудно достижимо, иллюзорно. Режиссер всегда пытается поправить то, что возможно. Но не думайте, что сделав один мультфильм, вы сразу поймете, как нужно, и будете просто применять наработанный опыт. Начиная новый проект, вы начинаете всё с начала: тема другая, герои другие, история, люди, и правила игры устанавливать необходимо тоже новые.
Самое главное правило, которое следует помнить, – всё должно работать на главного героя и историю: внешний вид, локации, освещение, цветовые решения. Даже второстепенные и третьестепенные герои.
Однажды в студию Animagrad приезжал Макс Ховард, исполнительный продюсер студии Disney, он высказал чудесную мысль: «Не стоит что-то делать просто потому, что вы можете это сделать».
Это очень ценный совет. Всё крутится не вокруг ваших желаний, страхов, возможностей, а вокруг желаний, страхов и возможностей главного героя и его истории жизни.
При работе над созданием мультфильма точное описание и референсы очень важны для команды, которая должна понять, что именно и для чего она делает. Команда должна понять вашу точку зрения. Что-то люди примут на 100%, а что-то следует найти вместе. Это, опять-таки, два способа режиссуры.
Всегда будет мало времени, ресурсов, качества, идей, людей, поэтому нужно научиться терять собственное “я”. Заглушать голос гордыни и растворяться в едином и большом коллективе, создавая мир с чистого листа.
Необходимо проводить серьезный анализ сценария, множество читок и этапов редактуры. При данном переносе в реальность начинаются трудности: слабая история, нехватка ресурса (деньги, люди, время, опыт), отсутствие технологий, отсутствие верного планирования производственного процесса, желание всем угодить.
Один из крайне опасных пунктов – «ошибка планирования». Это вид когнитивного искажения, связанный с излишним оптимизмом и недооценкой времени и ресурса для выполнения задачи.
Анимация – жанр очень дорогой. За редким исключением, «поиграть» в анимацию с наскока не выйдет.
«Не надо гоняться за счастьем: просто стань у него на пути или ляг, если тяжело стоять, но не гоняйся, потому что будешь видеть только его хвост», — Давид Черкасский
Ранее Telegraf.design рассказывал, где и как учиться анимации фильмов.